探索米類‧瑪法琉的藝術─創作歷程、視覺風格與元素

      米類25歲赴日學習室內設計，畢業後在日本設計公司工作。在這段長達八年的旅日經驗中，她深刻體認到日本文化中內斂重情的人際關係，並學習到完美、極簡、雅致的美感。當時的設計圖都是徒手繪製、修改，成千上萬條線條的增修調整，都是既繁複又紮實的繪畫基礎功。畢業後，她進入室內裝潢材料公司負責設計磁磚及石材的視覺設計。從圖案設計著手，以多塊尺寸相同的物件做大面積的拼湊，透過多種排列方式延展、解構，使一組視覺圖像能重組出多種面貌。旅日求學工作期間的啟發，是她能從客觀且純美學的角度看待自身母體文化的餘裕。繪圖技術及美感上的磨練，無疑為未來的藝術創作奠定穩固的基礎。

     她在30多歲回到台灣，進入一間製作及設計建築帷幕的日商建設公司，在這10多年的都市生活中，她身為一位「被漢人包圍的原住民」，在工作中表現出色，卻不斷因原民身分受到調侃與歧視。她要求自己的言行舉止符合原民典範，同時也逐漸「雕塑自己」，思考原民身分與自我本性的融合。她認為「創作要從內心出來，觀者才能感覺到，人就像一個作品，要怎麼雕塑自己，怎麼把它塑造成我要的形狀。」此種源自內在的思索與自問，從內心發願創造出傳達各族群之美的創作方式，至今仍是她創作中最核心的要素。米類的父親在她45歲去世，她心中蔓延著喪親深切的悲傷，辭去工作在台北閉關兩年療癒自己，開始研究各原住民族的圖紋，並嘗試以幾何圖形融合原民風格的圖像、符號、顏色，2007-2008年成為她繪畫創作的重要起點，她對於原民身分意識、符號、文化責任的探究，直至此時才逐漸覺醒及轉化。

     展場中2008年作品「尋定」、「力之舞」及2012年「原生的力量」，呈現了米類發揮線條功底的創作成果，畫面雖有原民圖紋及符號，但整體風格更偏向抽象的民族風視覺。相較於學院派出生的藝術家，米類的創作起步較晚，但在視覺、構圖及色彩運用上的完成度及準確度極高，其作品中的線條、顏色及符號構成理性的韻律感，同時傳達出熱情與奔放。2017年，米類搬回台東建立工作室，此時期的平面作品包含展場中2017年的「愛的種子」、「活力四射」，2019年的「圖紋世界系列 1」、「圖紋世界系列 2一畝田」、「隨著風飄的雲彩」、「傾聽」等作，在構圖及色彩上更為細緻縝密，每件作品皆是由多幅小作品拼組而成，她將瓷磚設計的圖面解構放入純藝術創作中，讓每件作品有多種擺放方式。此種創作手法並非米類首創，但她的畫作擺設方向的多變及自由度，並同時兼具平衡與美感的設計思考，卻是少有的。

      2019年，米類開始嘗試鉤織技法，創作麻繩軟雕塑裝置，重複鉤織的勞動過程也成為她與自己、與作品對話的時刻。麻繩讓她想起小時候麻布袋的味道，勾起了氣味的記憶，帶出記憶中父親厚實的肩膀，以及父母用麻布袋當棉被、地墊的回憶。米類注重材質，它既是工具也是創作的藥引；她也注重形式的象徵性，此時期的軟雕塑裝置進入比視覺圖像更為純粹的抽象表現。2021年的「有，卻看不到 系列1」、「有，卻看不到 系列2」，此作講述了她每次出門前，長輩都會為她作個簡單的儀式寄予祝福及保佑，讓她不論距離部落有多遠，離開時間有多長，內心都有一種踏實的篤定。此作不僅表達了她對部落及家人的情感寄託，更反映出她對藝術家身分的意識轉變。作為原民藝術家，她的創作除了隨興自由地抒發，更要透過藝術實踐去傳達、表現及闡述原民族群文化的價值與理念，透過創作呈現出族群生命的記憶。此件裝置作品首次展出於2021年「我們與未來的距離」展，但在此展中的呈現卻大不相同，原本是掛在天畫板上的棚頂，在此展中倒反過來如裙片。米類不僅重組畫作排列，裝置作品也同樣有各種排列，這不僅是佈展的考驗，也是論述的考驗。